Graz

CfA: Music, Materiality and Subjectives, STS Conference, May 2015, Graz

Call for Abstracts – STS Conference 2015

STS Conference Graz 2015 “CRITICAL ISSUES IN SCIENCE, TECHNOLGY AND SOCIETY STUDIES”

May 11-12, 2015
GRAZ, AUSTRIA

The STS Conference Graz 2015 is the joint annual conference of
STS – Institute of Science, Technology and Society Studies at Alpen-Adria-Universität Klagenfurt|Vienna|Graz
IFZ – Inter-University Research Centre for Technology, Work and Culture and
IAS-STS – Institute for Advanced Studies on Science, Technology and Society.

Scientific coordination: Günter Getzinger
Conference organization: Michaela Jahrbacher

PARTICIPANTS

The STS Conference Graz 2015 invites interested researchers (especially postgraduates and young researchers) in the areas of science, technology and society studies and sustainability studies to give presentations. The conference provides a forum to discuss on a broad variety of topics in these fields – especially abstracts are encouraged which include aspects of the below mentioned conference themes and sessions.

ABSTRACTS

Abstracts should include no more than 250 words, comprising detailed contact information, affiliation and specification of the conference theme and session you are referring to.
Abstracts should be sent to Michaela Jahrbacher (sts-conf-graz@aau.at ) until January 15, 2015 as a DOC/DOCX-file.

Authors will be notified in the middle of February 2015.

All confirmed abstracts will be published as online-proceedings (ISSN) via the IAS-STS website. Full papers can also be submitted, but are not mandatory. See the 2014 proceedings here .

We also appreciate proposal for poster presentations in line with the conference themes. Proposals for posters should be send to the above mentioned email address by January 31, 2015.

We also welcome participants attending the conference without presenting a paper themselves.

SESSION 14: MUSIC, MATERIALITY AND SUBJECTIVES
Georg Fischer, Berlin, Germany
David Waldecker, Technische Universität Darmstadt, Germany
Martin Winter, RWT University of Aachen, Germany

Musical practices are generally built around the interplay between several technological artefacts and social actors. Dependent on specific areas in the musical world, the production might encompass acoustic or electrified instruments, amplifiers, and sound engineering equipment in general. Consumption might encompass records or digital equivalents, iPods and headphones, or complex sound systems. So far, Science and Technology Studies have neglected the aesthetic uses of technology and the role of technology in certain musical styles, e.g. of the record player and the digital sampler for Hip Hop and Techno genres. Of course, music, in reference to musical instruments, has always been technological. In fact, the piano was one of the first more complex machines allowed in the bourgeois living room (cf. Weber 2006 [1921]). The possibility to record music created not only a shift in the distribution of music and the music business but a whole new field of careers, devices and buildings.

These material conditions of musicking relate to subjectivities in specific ways. For instance, the electric guitar and the domain of sound engineering in general can be described as linked to particular constructions of masculinity. Tia DeNora (2006) explains how changes in musical style in the late 19th century led to the piano becoming less of an instrument for female players and more of a virtuoso instrument associated with male genius. Similarly many instruments appear as ethnically connoted.

The relation between subjectivities and musical materiality should be discussed along the following questions:

  • How are musical materialities embedded in processes of co-construction or into actor- networks? How are subjectivities and materialities linked in concrete musical practices?
  • Which role does the aesthetic character of musical material play and how does it differ from e.g. epistemic practices?
  • Which possibilities to cross dominant orders are there in employing “queer” ways to use sound technologies?
  • Which specificities come into play regarding different material conditions of producing and consuming music, e.g. regarding the analogue/digital differentiation?
  • What does it mean to make music with regards to recording, mixing, sampling and professions such as DJs, sound engineers, equipment producers?
  • What is the role of knowledge and social discourse and how do they relate to materiality in musical practices?

WORKS CITED
DeNora, Tia 2006: Music as Agency in Beethoven‘s Vienna, in: Ron Eyerman / Lisa McCormick (ed.): Myth, Meaning, and Performance. Towards a New Cultural Sociology of the Arts, Boulder, Colorado: Paradigm, pp. 103 – 119.
Weber, Max 2004 [1921]: Zur Musiksoziologie, in: Max Weber Gesamtausgabe Sect. 1, Vol. 14, Tübingen: Siebeck, pp. 144 – 280.

 

ORGANIZATIONAL DETAILS

FEES

The Conference fee includes conference materials, coffee breaks, two lunches and one social event and has to be paid during the registration process via PayPal.

Early bird booking fee: 140€ until March 31, 2015.
Booking price after March 31th 2015 is 190€.
No conference fees for current fellows of the IAS-STS Fellowship Programme 2014/15.

REGISTRATION

The registration (online form) for the STS Conference Graz 2015 will be open by the beginning of February 2015.

CONFERENCE VENUE

The venue for the 2015 conference will be the Meerscheinschlössl, a baroque castle owned by the University of Graz and located near the campus.

Address:
Mozartgasse 3
8010 Graz
Austria
Google maps link: http://goo.gl/maps/RF29A

ACCOMODATION

Here is an overview on accommodation in Graz: http://www.graztourismus.at/en/hotels-apartments/accommodation-overview

We recommend:
Hotel Daniel (good bus connection, line 58, to the conference venue – stop “Hauptbahnhof” to stop “ Mozartgasse”, 12 minutes)

CONTACT

For all further questions concerning the upcoming conference please contact: Michaela Jahrbacher (sts-conf-graz@aau.at )

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Konferenz: Auditive Wissenskulturen. Das Wissen klanglicher Praxis, 18.–21.6.2014, Graz

Im Juni 2014 steht eine weitere Tagung an, bei der ich teilnehmen und vortragen werde. Diesmal ist es die viertägige Konferenz über „Auditive Wissenskulturen“ Mitte Juni in Graz. Die Keynotespeaker sind Karin Knorr-Cetina (Konstanz/Chicago) und Philip V. Bohlman (Chicago/Kassel). Programm und Organisation sind sehr vielversprechend! Wer noch teilnehmen möchte, kann sich hier anmelden.

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Aus dem offiziellen Ankündigungstext:

Institut für Ethnomusikologie, Universität für Musik und darstellende Kunst Graz
Zentrum für Systematische Musikwissenschaft, Karl-Franzens-Universität Graz

AUDITIVE WISSENSKULTUREN. DAS WISSEN KLANGLICHER PRAXIS

Die sozial- und kulturwissenschaftliche Erforschung musikalischer und anderer klanglicher Praktiken ist stets mit spezifischen Wissensformen konfrontiert, die aber zumeist nur implizit behandelt werden. Die Rolle, die Musik und andere Klänge in verschiedenen sozialen und kulturellen Kontexten spielen, hängt unmittelbar mit dem Wissen sozialer Akteurinnen und Akteure zusammen, welches in bestimmter Weise (re)produziert wird. Wis- sen nimmt dabei sowohl diskursiv verfügbare, kognitive und explizite Formen an, als auch körperlich-gebundene, praktische und oft implizite. Verschiedene kulturelle Kontexte prägen auditive Wahrnehmungen, unterschiedliche soziale Prozesse geben Schall Bedeutungen, machen ihn zu Lärm, Geräusch, Signal oder Musik. Verschiedene Disziplinen bieten hier unterschiedliche Zugänge mit ihren jeweiligen Vorzügen an, die im Symposium durch gegenseitigen Austausch gestärkt werden sollen.

Auditive Wissenskulturen umfassen die Produktion, Distribution und Anwendung klanglichen Wissens und machen Schall und Klänge zu Trägern spezifischer Bedeutungen, die an ein bestimmtes Verstehen gekoppelt sind und auch in ihrer Erzeugung mit bestimmten Kompetenzen verbunden sind. Klänge dienen zur Heilung, dem Erkenntnisgewinn, oder als Warnung vor Gefahren, zur Konstruktion von Identitäten oder zur Vertreibung unerwünschter Subjekte. Auditives Wissen ist somit in Machtverhältnisse integriert und auch mit der Produktion und Reproduktion sozialer Ungleichheitsverhältnisse verbunden.

Im interdisziplinären und internationalen Symposium „Auditive Wissenskulturen: das Wissen musikalischer Praxis“ wird ein explorativer Austausch zwischen verschiedenen Zugängen aus Kultur-, Geistes-, und Sozialwissenschaften stattfinden, wodurch auditive Wissenskulturen aus unterschiedlichen Perspektiven vorgestellt, verglichen und diskutiert werden können.

WEITERFÜHRENDE INFORMATIONEN UNTER:

WWW.AUDITIVEWISSENSKULTUREN.AT

Das breite Programm lässt ebenfalls eine intensive und anregende Auseinandersetzung mit „auditiven Wissenskulturen“ erwarten, sowohl in theoretischer als auch in empirischer Hinsicht!

Mittwoch, 18.6. – Karl-Franzens-Universität, ReSoWi Bauteil A, SZ 15.21

 

ab 9:00

Registrierung

 

 

 

 

9:45

Eröffnung

Richard Parncutt (Graz), Gerd Grupe (Graz): Grußworte

 

 

Hein Schoer (Wiesbaden): The Sounding Museum (Einführung zur Installation)

 

 

 

10:30

Keynote Lecture
chair Martin Winter

Karin Knorr-Cetina (Konstanz/Chicago): Wissenskulturen: Was ist das und was wissen wir über sie?

 

 

           mit Kommentar von Philip V. Bohlman

12:00

Pause

 

 

 

 

12:30

Perspektiven
chair Bernd Brabec

Jin-Ah Kim (Berlin): Musik als auditives Wissen aus praxeologischer Perspektive

 

 

Matthias Lewy (Berlin): Auditive Formen des Wissenstransfers in den Guyanas

 

 

Wolfgang Gratzer (Salzburg): Wer weiß? Musikhören, Wissen und die Annahme auditiver Wissenskulturen

14:30

Pause

 

 

 

 

16:00

Hören als Methode
chair Malik Sharif

Gregor Kokorz (Graz): Hermann von Helmholtz und die Erfindung des Hörens als wissenschaftliche Methode

 

 

Axel Volmar (Siegen): Klang-Experimente. Zur Geschichte der auditiven Kultur der Naturwissenschaften seit 1800

 

 

Judith Willkomm (Siegen): „Ich seh halt nichts, ich hör nur was“: Über implizites Hörwissen von Fledermäusen

 

 

Fritz Schlüter (Berlin): Soundscape-Ethnographien? Field Recordings im Rahmen ethnographischer Stadtforschung

18:30

Pause

 

 

 

 

19:00

Keynote Lecture
chair 
Bernd Brabec

Philip V. Bohlman (Chicago/Kassel): Auditives Wissen im Moment der Ekstase

 

 

           mit Kommentar von Karin Knorr-Cetina

 

 

 

20:30

Empfang

 

Donnerstag, 19.6. – Kunstuniversität, Reiterkaserne, Ira Malaniuk-Saal

(Klanginstallation von Hein Schoer im Seminarraum 150 und Poster-Ausstellung im Konferenzraum)

 

9:00

Klangontologien
chair Frithjof Nungesser

Angela Grünberg (Sheffield): Klang als Handlung: Ausdruck einer Beziehung zur Welt und ihrer Tatsachen

 

 

Wei-Ya Lin (Wien): Bei uns gibt es keine sogenannte Musik, wirmianoanood (singen)! – Eine Studie zur Erforschung des auditiven Wissens der Tao

 

 

Malik Sharif & Bernd Brabec de Mori (Graz): Auditives Wissen und ontologisch-epistemologischer Relativismus. Ein Dialog für zwei Ethnomusikologen

 

Pause

 

 

 

 

11:30

Sozioakustik
chair  Armin Ziegler

Thomas Kusitzky (Weimar/Berlin): Bedingungen einer Kultur des auditiv-städtischen Gestaltens

 

 

Thomas Felfer (Graz/Lech): Auditive Forschung mit Kindern

 

 

Maria Dillschnitter (Halle/Lübeck): Doing hearing? Zum Wissen über das Hören in der Hörgeräteversorgung

13:30

Mittagspause

 

 

 

 

15:00

Lokalitäten
chair Sabrina Sattmann

Thomas Järmann & Johannes Müske (Zürich): Klingende ‹Swissness›. Geistige Landesverteidigung in der klanglichen Praxis des Schweizer Auslandsradios – Schallarchivalien als kulturwissenschaftliche Quellen

 

 

Anna Schmidt (Göttingen): Audiosphären als Basis lokaler musikalischer Klangästhetiken

 

Pause

 

 

16:45

Musikbeitrag

Erica Bisesi (Graz/Gorizia), Klavier: Wanderung, Verwandlung und Verklärung

 

 

 

17:30

Machtverhältnisse
chair Sarah Zapusek

Nora Bammer de Rodriguez (Krems/Wien): Die Macht singender Shuar und ihrer Geister

 

 

Susanne Sackl-Sharif (Graz): Zum auditiven (Geschlechter-)Wissen von Metalfans

Freitag, 20.6. – Kunstuniversität, Reiterkaserne, Ira Malaniuk-Saal

(Klanginstallation von Hein Schoer im Seminarraum 150 und Poster-Ausstellung im Konferenzraum)

9:00

Klassifikation
chair Stefan Reichmann

Martin Winter (Aachen): Musikgenres als Wissen: Die Ko-Konstruktion von Punkrock und Männlichkeiten.

 

 

Kai Ginkel (Darmstadt/Wien): Das Wissen des Noise: Zur „sozio-sonischen“ Bedeutung von Klang

10:15

Poster Session

 

 

 

 

11:15

Musicking
chair Susanne Sackl

Christian Müller (Freiburg): Doing Jazz – zur Konstitution einer kulturellen Praxis

 

 

Matthias Haenisch (Potsdam): Verteiltes Handeln – Wissen in Interaktion. Zur Performativität zeitgenössischer Improvisation

 

 

Holger Schwetter, Lena Respondek & Dominik Schrage (Kassel/Lüneburg): „Wenn Du das oft genug erlebt hast, dann arbeitest Du gezielt darauf hin, weil es so unheimlich schön ist.“ Implizites Wissen und die Organisation musikalischen Erlebens

13:15

Mittagspause

 

 

 

 

15:00

Musikbeitrag

Fränk Zimmer & Heimo Ranzenbacher (Graz), sounding lecture: from the distance

 

 

 

15:30

Klangproduktion
chair Martin Winter

Felix Gerloff & Sebastian Schwesinger (Berlin): Remixen. ccMixter als klangkulturelles Dispositiv

 

 

Georg Fischer (Berlin): „Keep it real!“ Das Wissen klanglicher Praxis in der Samplingkultur des HipHop

 

 

David Waldecker (Darmstadt): Wissensformen im Tonstudio: Zur Ethnographie des Musikaufnehmens

 

 

Patricia Jäggi (Luzern/Basel): «Bruitage. Kuhglocken vor einem Chalet (ein Flugzeug fliegt darüber)» – Das Gestaltungsmittel Geräusch als Wissensformat

 

Pause

 

 

 

 

19:00

Konzert und Dinner

im Café Stockwerk Jazz, Musik: maneki nekoč

Samstag, 21.6. – Kunstuniversität, Reiterkaserne, Ira Malaniuk-Saal

 

9:00

Identitäten
chair Juan Bermúdez

Lorenz Beyer (Wien): Transkulturelle Wissensdistribution und bayerische Codierung. Fallbeispiel aus Oberbayern: LaBrassBanda, die Cubaboarischen, Monaco Fränzn

 

 

Rinko Fujita (Wien): Verfremdung der eigenen Musik: zum Problem der empirischen Untersuchung traditioneller japanischer Musik

 

 

Ania Mauruschat (Basel): Oszillator, Bandmaschine, Cut-Up, Loop, Rewind: Das auditive Wissen der Produzentinnen des BBC Radiophonic Workshop

 

Pause

 

 

 

 

11:30

Multimedia
chair Florian Eckl

Sandra Aßmann & Peter Moormann (Köln): Musik erleben – Musik erlernen: Prozesse der Wissens- und Bedeutungsgenerierung am Beispiel des Computerspiels

 

 

Barbara Alhuter (Wien): Auditive Wissenskulturen im Mainstream-Film

 

Umbaupause (kurz)

 

 

 

 

12:45

Musikbeitrag

Bertl Mütter (Steyr): listening comprehension

 

 

 

13:30

Abschlussdiskussion
chairs Martin Winter & Bernd Brabec de Mori

Auditive Wissenskulturen – Konzepte, Ausblick, Publikation der Beiträge

 

 

Podium: Karin Knorr-Cetina (Konstanz/Chicago), Philip V. Bohlman (Chicago/Kassel), Rosa Reitsamer (Wien), Gerd Grupe (Graz)

15:00

Ende der Tagung

 

 

 

Simon/off – Deep drivin‘ Dubstep aus Graz

Simon/off steht für die Grazer Variante eines deep drivin’ Dubstep, in dessen Zentrum weniger die reine Exegese von Wobble thematisiert, sondern vielmehr und ganz bewusst eine Öffnung der Produktionen hin zu wärmeren, verspielten oder sogar ironischen Elementen angestrebt wird.

Georg Fischer traf Simon/off Mitte Mai im Forum Stadtpark zum Interview und sprach mit ihm über seine musikalische Sozialisation, Graz als Bristol Österreichs und die Narrativität komplexer Rhythmusstrukturen.

 
Das Interview ist ursprünglich erschienen in SKUG, Journal für Musik#87.
Ein Radiofeature mit einem Set von Simon/off wurde bei BLN.FM ausgestrahlt.

Es ist ein entspannt wirkender Simon/off, dem ich Mitte Mai auf der sonnigen Terrasse im Grazer Forum Stadtpark zum Interview gegenüber sitze. Zwischen der Leitung eines Workshops und einem DJ-Set am Abend hat er Zeit für das Interview mit skug gefunden. Im Hintergrund hört man leise den Soundcheck für ein Konzert, das am Abend stattfinden wird. Das Forum, so wird sich im Verlauf des Gespräches herausstellen, ist für Simon/off so eine Art Homebase und für Graz ein wichtiger Knotenpunkt der kulturellen Infrastruktur, werden hier doch Filme gezeigt und ganze Filmfestivals veranstaltet, Workshops und Ausstellungen angeboten und natürlich auch Musik in Form von Konzerten und DJ-Sets gespielt. Viele Angebote des Hauses, das sich als Plattform für Akteure der lokalen, österreichischen und internationalen Kulturproduktion versteht, sind kostenlos und damit natürlich für den Nachwuchs attraktiv, die Lage inmitten des grünen Parks ist zudem einladend.

Simon/off erzählt, dass seine ersten musikalischen Gehversuche mit acht Jahren in collagenartigen Radiosendungen stattfanden, welche er und seine beiden Brüder mit Hilfe eines Tape-Recorders aufnahmen und im Pause-Button-Style zusammenschnitten. Leider sei von diesen Tapes nicht mehr allzu viel übrig, denn »ans Archivieren denkt man ja mit acht, neun Jahren noch nicht«. Ein paar Jahre später formierten sich die drei Brüder zum gemeinsamen Musikprojekt Winterstrand. Simon versuchte sich an Produktionssoftware und analogen Geräten, entdeckte Jungle und Drum’n’Bass aus London für sich und mit ihm auch die DJ-Kultur. Gerade der Einfluss des britischen Basses und die musikalische Bindung zu seinen Brüdern sollten ihm genug Schubkraft verpassen, um sich fortan als Solomusiker einer gleichermaßen flippigen, flächigen wie tief gehenden Variante von Dubstep zu widmen.

Simon, du produzierst als Simon/off Dubstep und bist auch als DJ aktiv. Wie hat sich denn dein Interesse dafür entwickelt?

Simon: Das begann so Mitte der 1990er Jahre, als Drum’n’Bass aus England gerade sehr populär wurde und schließlich auch nach Österreich schwappte. Drum’n’Bass war für mich damals der Sound, der in meinem jungen Clubbergehirn schlichtweg am frischesten daherkam. Irgendwann später, auf jeden Fall mit einem Wahnsinns Delay, haben auch die ersten Promoter in Graz angefangen, diesen Sound zu verbreiten und auch die üblichen Verdächtigen eingeladen, also LTJ Bukem, DJ Hype, Aphrodite, und so weiter. Gleichzeitig war das für mich auch der Start fürs Auflegen und musikalisch eine sehr prägende Ära. Besonders die jazzigen, experimentelleren und auch langsameren Tracks aus West-London, die man dann unter dem Genre »Broken Beat« gefasst hat und die bewusst wieder für etwas Entschleunigung im Drum’n’Bass gesorgt haben, sind sehr einflussreich gewesen in Bezug auf meine heutigen Produktionen. Zum Beispiel die Releases auf dem Label Reinforced von 4Hero oder die Tracks von Seiji um die Jahrtausendwende herum, die waren gezielt gegen das Klischeehafte in der Struktur von Drum’n’Bass gerichtet. Der nächste Schritt war dann 2step, besonders wegen der geshuffelten Beats und der wärmeren Chords, aber das hat in Österreich einfach nicht so recht funktioniert. 2003 hab ich meine erste Tempa gekauft, das müsste die »Tempa Allstars Vol. 1« mit einem Track von DJ Abstract gewesen sein. Zu einer Zeit, in der es für das, was wir heute »Dubstep« nennen, eigentlich noch gar keinen Namen gab. 2005 bin ich dann für einige Zeit nach Berlin gegangen, parallel dazu lief auch noch das Projekt Winterstrand mit meinen beiden Brüdern, das sich zwar immer schwieriger gestaltet hat, weil wir teilweise in drei verschiedenen Städten gewohnt haben. Trotzdem haben wir insgesamt drei Alben und Dutzende Beiträge für Compilations rausgebracht. In Berlin konnte ich mich vor allem mehr auf das Produzieren von DJ-affineren Tracks konzentrieren, weil ich weniger organisatorische Aufgaben erfüllen musste als in Graz, wo ich auch als Promoter gearbeitet habe. In Berlin gab’s dann auch schon einige Parties, auf denen Garage, 2Step, Dubstep und auch Grime im Vordergrund standen. Es war eine schöne Melange vom Sound her, die auch an meine frühere Erfahrungen mit Broken Beat angeschlossen hat. Mich haben auch schon damals besonders diese Tunes interessiert, die zwischen den Stühlen standen, die man lange sucht und die eben als Verbindungsstücke zwischen den Rhythmen oder den Genres oder auch den Geschwindigkeiten fungieren können. Das war immer so ziemlich das Interessanteste für mich.

Das klingt schon sehr nach der Herangehensweise eines DJ’s, der die verschiedenen Stücke mit Tracks, die als Scharniere funktionieren, in eine Kontinuität bringen möchte.

Simon: Ja, diese Kontinuität, die ist wichtig. Auch ein Grund, warum ich angefangen habe zu produzieren, selbst wenn ich mir vor einigen Jahren noch nicht vorstellen konnte, eigene Tracks in meinen DJ-Sets zu spielen. Und jetzt mache ich das eigentlich relativ oft (grinst). Und gerade zurzeit ist es ja extrem spannend, weil sich die verschiedenen Genretraditionen sehr öffnen und geradezu auffächern, man kann eigentlich quer durch alle Bereiche spielen, sogar tempomäßig. Letztens hab ich ein DJ-Set bei in etwa 125 BPM begonnen und dann eine richtige Linie bis Juke gezogen: Zwischendrin können etwa Elektro-808-Bass-Tunes eingebaut werden, die beispielsweise von Swamp81 oder anderen Labels forciert werden, dann vielleicht noch ein paar dieser alten Detroitstücke und schließlich kommt Juke dazu ­­− und all das lässt sich tatsächlich lückenlos verbinden, durch die Genres, durch die Tempi, durch die Atmosphären. Das finde ich momentan schon sehr spannend und irgendwie schade, wenn die Leute in ihren Zwei-Stunden-Sets immer nur bei einem einzigen Tempo bleiben oder einfach bei einem Sound. Als Zuhörer langweilt mich das. Ich glaube, das können nur wenige DJs, mit ähnlichen Tracks oder im gleichen Genre Spannung aufzubauen und zu erhalten. Also, ich bin kein Fan von Acht-Stunden-Techno-Sets (lacht).

Wie würdest du dann selbst deinen Sound beschreiben, den, den du auflegst, und den, den du produzierst?

Simon: »Bassmusic«. Oder ganz einfach »Bass«.

Warum »Bassmusic«? Was findest du gut am Bass oder an diesem Begriff?

Simon: Auf der einen Seite natürlich der physische Aspekt von Bass, nämlich dass man die Musik nicht mehr nur hört, sondern auch spürt, wie sie förmlich unter die Haut geht. Und auf der anderen Seite natürlich auch, weil der Fokus auf den Bass gelegt wird, nicht nur als Zubehör, sondern als zentrales Element. Gerade an der Schnittstelle von House und Dubstep, wie zum Beispiel bei Maurice Donovan …

 … Einem der aktuellen Synonyme von Ramadanman.

Simon: Ja, genau, das ist im Prinzip Chicago-House, auch von der Coveraufmachung, die an Plattencovers aus den 1980ern erinnert. Chicago-House mit einer neuen Basskarosserie unten drunter. Von der Produktion her liegt der Fokus nicht auf der Kickdrum so wie früher, die Kickdrum ist eher dünn. Du hast vielleicht ein Intro mit der Kickdrum auf der Eins und dann kommen die flächigen Sounds, und irgendwann setzt halt der Subbass ein. Da wird die ganze Energie dieser Tracks über die Bässe transportiert. Deswegen Bassmusic. Das ist sicherlich der beste umfassende Begriff, denn diese ganzen Bezeichnungen wie »Future Garage« oder »UK Funky« engen halt doch sehr ein; in meinen DJ-Sets spiele ich ja auch nicht nur einen Style, sondern eben Soundaspekte des ganzen Genres von Bassmusic.

Welche Rolle spielen dann die Rhythmen neben dem Bass?

Simon: Die Beats sind ja von ihrer Architektur her selten Four-to-the-Floor wie beim klassischen Techno, sondern gebrochen, geshuffelt oder sonst wie verschoben. Das erzeugt so einen speziellen Groove, einen richtigen Swing, und wirkt weniger stoisch als diese ganz geraden Beatstrukturen. Dadurch kann man das Verhältnis von Melodie und Rhythmus auch immer wieder neu deuten … und gewinnt so natürlich mehr Freiheit, so ähnlich wie früher bei Broken Beat oder schrägeren Drum’n’Bass-Tracks. Viele der aktuellen Bassmusic-Produktionen haben derart frei programmierte Beats, dass das Erzählhafte fast ausschließlich über die Beats kommt und weniger über die Melodie. Natürlich arbeite ich auch sehr gern mit Melodien, besonders für euphorische Momente, das gehört einfach dazu. Aber vertrackte Beats an der Grenze zum Tanzbaren, das finde ich sehr interessant und man muss auch sehen, dass allein schon die Rhythmen im Club ziemlich gut funktionieren.

Erzähl mir doch ein bisschen was über deine Heimatstadt Graz.

Simon: Was gerade in Graz passiert ist schon sehr schön. Gerade was die Musik betrifft, hat Graz wirklich eine erstaunliche Entwicklung hingelegt in den letzten zehn Jahren, von einer Stadt mit eher provinziellem Flair hin zu einer Stadt, in der du halt die Möglichkeit hast, wirklich sehr frische Sounds zu hören und als DJ auch zu spielen. Sei es von der Seite der Locals, die hier wohnen und Musik machen, sei es von den Gästen her, die nach Graz kommen, um aufzutreten. Und auch vom Publikum her betrachtet, das wirklich sehr offen und neugierig ist auf frische Sounds. Es gibt zwei große Festivals, die mehrere Tage gehen und die jeweils mehrere Tausend Gäste haben, nämlich das »Spring« und das »Elevate«. Das ist für eine kleine Stadt wie Graz mit etwas mehr als 250.000 Einwohnern natürlich schon echt ’ne schicke Sache, muss ich sagen. Wahrscheinlich haben wir hier auch so einen gewissen Underdog-Status. Ein Freund von mir aus Wien, IZC von Dubsquare Records, hat es mal ganz gut auf den Punkt gebracht, als er meinte, dass Graz das Bristol von Österreich sei. Weil wir halt definitiv nicht im Fokus der Medien stehen, auch wenn jetzt die genannten Festivals natürlich einiges an Aufmerksamkeit erzeugen. Aber trotzdem, das Hauptaugenmerk, beispielsweise jetzt von Radiostationen wie FM4, das liegt natürlich nicht auf der Grazer Szene sondern auf anderen Arealen, vor allem Wien. Das wird hier aber gar nicht so sehr als Nachteil betrachtet, man sieht sich eher als kreative Nische im kulturellen Underground. Interessant ist auch, dass wegen der Größe der Stadt auch die Leute, die hier Parties veranstalten, auflegen oder sonst irgendwie in der Grazer Musikszene eingebunden sind, nicht in so einer Konkurrenz zueinander stehen oder sogar gegeneinander arbeiten. Wir haben hier schon einen recht großen gemeinsamen Nenner und profitieren natürlich auch von den musikalischen Synergien.

Sprechen wir noch etwas über deine Produktionen: Welche Rolle spielen Samples und Sampling bei deinen eigenen Tracks?

Simon: Sampling stellt für mich eine wichtige Praxis im Studio dar. Ich sammle ja seit vielen Jahren schon Platten aus allen möglichen Genres, zum Beispiel Reggae, Dub, Jungle und natürlich auch viel Funk, Soul und Jazz, und hab ja auch lange Zeit nur mit Platten gearbeitet. Es ist einfach nach wie vor toll, mit Samples zu spielen, sie zu bearbeiten und auszuprobieren. Ich mag es halt auch einfach zu wissen, wo der Sound herkommt, das ist auch einfach eine musikalische Kompetenz. Auch wenn es natürlich etwas oldschool ist oder sogar nerdig, denn wer fragt denn heute noch danach, welcher Schlagzeugloop von welcher Platte aus welchem Jahr da unter diesem Track liegt − oder sogar von welchem Drummer das eingespielt wurde (lacht). Aber ich halte es nach wie vor für wichtig, Musik im Kontext zu sehen. Zum Beispiel das »Think«-Drumsample von Lyn Collins, das ja auch gerade so seinen dritten oder vierten Frühling erfährt (lacht). Und es geht auch in die andere Richtung: ich habe viele Originalsamples oder musikalische Figuren über Drum’n’Bass und Broken Beat »zurückentdeckt«, indem ich mir das Originalsample dazu rausgesucht hab, um einfach nachvollziehen zu können, wie sich ein bestimmter charakteristischer Sound oder eine musikalische Idee entwickeln konnte. Und doch ist man selbst dann oft überrascht, was alles nicht synthetisch erzeugt wurde. Nimm nur das letzte Album von 2562, das besteht ja laut Promotext nur aus Samples von alten Discoplatten. Das schnallt man aber oft, zumindest beim ersten Anhören, nicht, weil es die Produktionsmethoden und die ganzen Tools mittlerweile möglich machen, überall eine knackige, unverbrauchte Kickdrum rauszuholen.

Was steht in Zukunft bei dir in puncto Veröffentlichungen an? Wird’s auch einmal ein Album geben?

Simon: Nein, das hab ich eigentlich gar nicht auf dem Programm, auch wenn ich vermutlich genügend Material beisammen hätte. Das würde vermutlich einfach keinen Sinn ergeben, man braucht da gerade im Bereich der elektronischen Tanzmusik einen Rahmen, der das Ganze fasst, der die Tracks stimmig zusammenbringt. Bei vielen Künstlern funktioniert das Format Album gut, bei anderen funktioniert es gar nicht, wenn einfach nur die angesammelten Tracks auf sechzig Minuten zusammengeschaufelt werden. Sehr oft, so sehe ich das, wäre der Output auf mehrere Singles besser verteilt gewesen als erzwungen zusammengestaucht auf eine LP. Dann schon lieber ein paar 12″’es für die DJs, ab und zu mal einen DJ-Mix und auch mal einen Gastbeitrag für Compilations, als ein Artistalbum zu machen, das als Album nicht gut funktioniert. Ich freue mich sehr, dass es über den Sommer verteilt einige Releases von mir geben wird. Zum Beispiel auf Phuture Shock, einem Label aus Bristol, dann für die Compilation von HxdB aus Kanada und auch auf B.YRSLF, einem noch recht jungen französischen Label, die auch so eine Mischung aus Juke und Dubstep forcieren, wird es was von mir geben.

Links unten:

www.simonoff.posterous.com

www.soundcloud.com/simon-off

www.forumstadtpark.at

www.disko404.org

www.skug.at